Tags: La Sexta Nominada / MTV Movie Awards

LSN Premium 39 - MTV Movie Awards 2005 'Napoleon Dynamite'' (parte 1)

- 07/06/24 No hay comentarios

 

Nuevo podcast premium de LA SEXTA NOMINADA. Tras un parón obligado por el larguísimo Festival de Cannes y unos asuntos personales, seguimos con nuestros análisis de los MTV Movie Awards con la primera parte del repaso a la edición celebrada en 2005, cuando un fenómeno tan americano como olvidado hoy como 'Napoleon Dynamite' se impuso a películas mucho más recordadas como 'Kill Bill Vol. 2', 'Spider-Man 2', 'Los increíbles' y, por algún motivo, 'Ray'. En este primer programa dedicado a una gala presentada por Jimmy Fallon hablamos de la película de Sam Raimi, el robo posiblemente fraudulento a Rachel McAdams y mucho más. No te pierdas el nuevo capítulo de La Sexta Nominada con Juan Sanguino y Dani Mantilla.  

 

             

La Sexta Nominada - Especiales Premium 

LSN Premium 39 - MTV Movie Awards 2005 'Napoleon Dynamite'' (parte 1)

LSN Premium 38 - Análisis de 'Challengers (Rivales)' con Raquel Piñeiro 

LSN Premium 37 - Especial de 'El caso Asunta' con Carles Cuevas

LSN Premium 36 - MTV Movie Awards 2004 'ESDLA: El retorno del rey' (parte 2)

LSN Premium 35 - MTV Movie Awards 2004 'ESDLA: El retorno del rey' (parte 1)

LSN Premium 34 - Análisis especial de 'Desconocidos' con Javier Pérez Martín

LSN Premium 33 - 'Cualquiera menos tú' y la comedia romántica moderna

LSN Premium 32 - Análisis de 'La sociedad de la nieve'

LSN Premium 31- Análisis de 'Saltburn' con Isabel Vázquez

LSN Premium 30 - Goyas, feroces, cine español y la prensa especializada

LSN Premium 29 - El estado de la carrera al Oscar y los protagonistas de la temporada.

LSN Premium 28- Análisis de 'El asesino'

LSN Premium 27 - Especial de 'El cuerpo en llamas'

LSN Premium 26 - MTV Movie Awards 2003 'ESDLA: Las dos torres' (parte 2)

LSN Premium 25 - MTV Movie Awards 2003: 'ESDLA: Las dos torres' (parte 1)

LSN Premium 24 - MTV Movie Awards 2002: La comunidad del anillo (parte 2)

LSN Premium 23 - MTV Movie Awards 2002 - 'ESDLA: La comunidad del anillo' (parte 1)

LSN Premium 22 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 2)

LSN Premium 21 - MTV Movie Awards 2001 - 'Gladiator' (parte 1)

LSN Premium 20 - MTV Movie Awards 2020 - 'Matrix'

LSN Premium 19 - MTV Movie Awards 1998 - 'Algo pasa con Mary' (parte 2)

LSN Premium 18 - MTV Movie Awards 1998 - 'Algo pasa con Mary' (parte 1)

LSN Premium 17 - MTV Movie Awards 1998 - 'Titanic' (parte 2)

LSN Premium 16 - MTV Movie Awards 1998 - 'Titanic' (parte1) 

LSN Premium 15 - MTV Movie Awards 1997 - 'Scream'

LSN Premium 14 - Especial 'La Sirenita'

LSN Premium 12 - MTV Movie Awards 1996 - 'Seven'

LSN Premium 11 - MTV Movie Awards 1995 - 'Pulp Fiction'

LSN Premium 10 - MTV Movie Awards 1994 - 'Infiltrados en Los Ángeles'

LSN Premium 09 - MTV Movie Awards 1993 - 'Algunos hombres buenos'

LSN Premium 08 - MTV Movie Awards 1992 - 'Terminator 2: El juicio final'

LSN Premium 07 - El juicio de Gwyneth Paltrow, de la A a la Z

LSN Premium 06 - La caída de Armie Hammer y una dinastía americana

LSN Premium 05 - Detrás de las cámaras de 'No te preocupes querida'

LSN Premium 04 - Especial Penélope Cruz y Javier Bardem (parte III) con Paloma Rando e Isabel Vázquez

LSN Premium 03 - Especial Penélope Cruz y Javier Bardem (parte II) con Paloma Rando e Isabel Vázquez

LSN Premium 02 - Especial Penélope Cruz y Javier Bardem (parte I) con Paloma Rando

LSN Premium 01 - Especial Oscar Película Popular con Carles Cuevas

Tags: Oscars 2025 / Termómetro

Termómetro Nº0: primeras apuestas para los Oscar 2025

- 02/06/24 16 Comentarios

- Como manda la tradición, tras el Festival de Cannes llegan las primeras predicciones para la próxima edición de los Oscar

- El Termómetro Nº1 se publicará en el mes de septiembre

MEJOR PELÍCULA

1. 'Blitz'

2. 'Dune: Parte 2'

3. 'Nickel Boys'

4. 'Sing Sing'

5. 'Anora'

6. 'Queer'

7. 'The Piano Lesson'

8. 'Conclave'

9. 'Hard Truths'

10. 'Joker: Folie à Deux'

11. 'La habitación de al lado'

12. 'Juror #2'

13. 'Gladiator 2'

14. 'Here'

15. 'The End' 

MEJOR DIRECCIÓN

1. Steve McQueen por 'Blitz'

2. Denis Villeneuve por 'Dune: Parte 2'

3. Sean Baker por 'Anora'

4. Luca Guadagnino por 'Queer'

5. Mike Leigh por 'Hard Truths'

6. RaMell Ross por 'Nickel Boys'

7. Edward Berger por 'Conclave'

8. Greg Kwedar por 'Sing Sing'

9. Pedro Almodóvar por 'La habitación de al lado'

10. Ridley Scott por 'Gladiator 2'

11. Todd Phillips por 'Joker: Folie à Deux'

12. Clint Eastwood por 'Juror #2'

13. Robert Zemeckis por 'Here'

14. Joshua Oppenheimer por 'The End'

15. Yorgos Lanthimos por 'Kinds of Kindness'

MEJOR ACTOR

1. Daniel Craig por 'Queer'

2. Colman Domingo por 'Sing Sing'

3. Ralph Fiennes por 'Conclave' 

4. John David Washington por 'The Piano Teacher'

5. Harris Dickinson por 'Blitz'

6. Joaquin Phoenix por 'Joker: Folie à Deux'

7. Tom Hanks por 'Here'

8. George McKay por 'The End'

9. Paul Mescal por 'Gladiator 2'

10. Paul Bettany por 'The Collaboration'

11. André Holland por 'The Actor'

12. Timothée Chalamet por 'Dune Part 2'

13. Nicholas Hoult por 'Juror No 2'

14. Andrew Garfield por 'We Live in Time'

15. Sebastian Stan por 'The Apprentice'

MEJOR ACTRIZ

1. Saoirse Ronan por 'Blitz'

2. Angelina Jolie por 'Maria'

3. Lady Gaga por 'Joker: Folie à Deux'

4. Amy Adams por 'Nightbitch'

5. Mikey Madison por 'Anora'

6. Marianne Jean-Baptiste por 'Hard Truths'

7. Tilda Swinton por 'The End' o 'La habitación de al lado'

8. Demi Moore por 'The Substance'

9. Regina King por 'Shirley'

10. Noémie Merlant por 'Emmanuelle'

11. Jessica Lange por 'Long Day's Journey Into Night'

12. Anne Hathaway por 'Mother Mary'

13. Florence Pugh por 'We Live in Time'

14. Zendaya por 'Rivales'

15. Uzo Aduba por 'The Supremes At Earl's All-You-Can-Eat'

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

1. Samuel L. Jackson por 'The Piano Lesson'

2. Clarence Maclin por 'Sing Sing'

3. Stephen Graham por 'Blitz'

4. John Lithgow por 'Conclave'

5. Drew Starkey por 'Queer'

6. Jesse Plemons por 'Kinds of Kindness'

7. Stanley Tucci por 'Conclave'

8. Paul Raci por 'Sing Sing'

9. Denzel Washington por 'Gladiator 2'

10. Kodi Smit Mc-Phee por 'Maria'

11. Michael Shannon por 'The End'

12. JK Simmons por 'Juror #2'

13. Hamish Linklater por 'Nickel Boys'

14. Daveed Diggs por 'Nickel Boys'

15. Jeremy Strong por 'The Apprentice'

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

1. Aunjanue Ellis-Taylor por 'Nickel Boys'

2. Danielle Deadwyler por 'The Piano Lesson'

3. Toni Collette por 'Juror #2'

4. Lesley Manville por 'Queer'

5. Isabella Rossellini por 'Conclave'

6. Kathy Burke por 'Blitz'

7. Zoe Saldaña por 'Emilia Perez'

8. Julianne Moore por 'La habitación de al lado'

9. Moses Ingram por 'The End'

10. Valeria Golino por 'Maria'

11. Robin Wright por 'Here'

12. Naomi Watts por 'Emmanuelle'

13. Joan Chen por 'Dìdi'

14. Carrie Coon por 'His Three Daughters'

15. Maria Bakalova por 'The Apprentice'

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Cannes 2024: broche asiático para la Sección Oficial

- 26/05/24 No hay comentarios

Obviando algunos contratiempos, la Sección Oficial ha cerrado con dos grandes películas que han emocionado y han convencido: 'The Seed of the Sacred Fig' (Premio FIPRESCI) y 'All We Imagine as Light' (Gran Premio del Jurado). Las dos vienen de Asia y las dos tienen cosas que reivindicar. 

'The Seed of the Sacred Fig': Irán y la fábula del padre tirano

La película que ha podido presentar Mohammad Rasoulof en persona, esta 'The Seed of the Sacred Fig', es una metáfora que comienza sutil y deviene reiterativa y nerviosa. En ella, el instructor judicial Iman, en pleno ascenso profesional, se enfrenta a la paranoia que se instala en su familia al tiempo que se producen los disturbios políticos de Teherán. La desaparición del arma que le ha sido entregada para su propia protección, degenera en una crisis familiar gravísima. Desconfía de su mujer y sus hijas. Las jóvenes se rebelan ante los métodos del padre y la sumisión de la madre. Un reparto muy resolutivo, en el que destacan sobre todo las jóvenes actrices que dan vida a las hijas de la pareja. 

Durante buena parte de la película, esta se desarrolla en el  domicilio familiar y es cuando la película funciona mejor. El ambiente, que va siendo cada vez más agobiante, se transmite con movimientos inquietos de cámara y medios planos. Cuando la película, en su desenlace, abandona la urbe para ir a una localización remota, pierde un poco de fuerza. Se dan situaciones algo forzadas para que el relato avance y el final se entiende desde la analogía con la situación política. 

Rasoulof ha sido recibido con mucho cariño y su película, que presenta imágenes reales difundidas por redes de la situación actual en Irán, tiene el peso sentimental de las películas que muchos preferirían que no existieran. No es ninguna sorpresa que se haya hecho con el Premio FIPRESCI.

'All We Imagine as Light': la sencillez de las pequeñas historias

La realizadora india Payal Kapadia debutó en el cine con la soberbia 'A Night of Knowing Nothing', una película documental en la que engarzaba una historia de amor con la realidad de las protestas estudiantiles en Mumbai. Con su segundo largometraje ha impactado por su modestia como producción y por el brillante desarrollo. A través de la cámara de Kapadia, seguimos a dos enfermeras de Mumbai en su día a día, y bajo un velo profundamente romántico. Personajes en dos momentos muy diferentes de su vida: una (Divya Prabha) experimentando una relación amorosa correspondida; la otra (Kani Kusruti) vive separada de su marido, que trabaja en Alemania. 

Toda la película está rodada con una sensualidad que destaca las cosas sencillas. Cada toma de Ranabir Das, responsable de fotografía de la cinta, busca cautivar y emocionar. Y lo consigue. Articulando una película que fluye según avanzan sus personajes. Como ya hiciera en su ópera prima, de una forma sutil Kapadia añade un subtexto político. Y, finalmente, un elemento de realismo mágico que ensalza la película y la eleva hasta situarse entre lo mejor de esta edición.

Tags: Festival de Cannes

Cannes 2024: Palma de Oro para 'Anora'

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- Sean Baker se hace con la Palma de Oro

- Dos premios para 'Emilia Pérez', incluyendo uno para sus cuatro actrices

- La española Karla Sofía Gascón se convierte en la primera persona transexual que gana un premio interpretativo en Cannes

SECCIÓN OFICIAL

• Palma de Oro: ANORA (Sean Baker)

• Gran Premio del Jurado: ALL WE IMAGINE AS LIGHT (Payal Kapadia)

• Premio del Jurado: EMILIA PÉREZ (Jacques Audiard)

• Mejor Dirección: Miguel Gomes por GRAND TOUR

• Mejor Actriz: Adriana Paz, Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón y Selena Gomez por EMILIA PÉREZ

• Mejor Actor: Jesse Plemons por KINDS OF KINDNESS

• Mejor Guion: Coralie Fargeat por THE SUBSTANCE

• Mejor Cortometraje: THE MAN WHO COULD NOT REMAIN SILENT (Nebojsa Slijepcevic)

• Cámara de Oro (Mejor ópera prima): ARMAND (Halfdan Ullman Tondel)

• Premio FIPRESCI: THE SEED OF THE SACRED FIG (Mohammad Rasoulof)

UN CERTAIN REGARD

• Premio Un Certain Regard: BLACK DOG (Guan Hu)

• Mejor Dirección: Roberto Minervini (THE DAMNED) y Rungano Nyoni (ON BECOMING A GUINEA FOWL)

• Mejor Interpretación: Anasuya Sengupta (THE SHAMELESS) y Abou Sangare (THE STORY of SOULEYMANE) 

• Premio Nueva Voz: HOLY COW! (Louise Courvoisier)

• Mención Especial: NORAH (Tawfik Alzaidi)

• Premio del Jurado: THE STORY OF SOULEYMANE (Boris Lojkine)

• Premio FIPRESCI: THE STORY OF SOULEYMANE (Boris Lojkine)

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Cannes 2024: 'Grand Tour', el cine de autor más refinado

- 25/05/24 No hay comentarios

El portugués Miguel Gomes ha presentado en el certamen 'Grand Tour', un drama de época filmado en blanco y negro, exigente para el espectador. Dejarse llevar por este viaje sensorial es una de las mejores experiencias que nos ha dado este festival.

'Grand Tour': Miguel Gomes ha venido a por la Palma 

Ambientada en el sudeste asiático alrededor de 1918, la película sigue a un funcionario británico y su prometida, mientras esta sigue el rastro de quien rehuye de su compromiso. Hasta aquí, estaríamos ante un drama más o menos convencional, pero esto es una película de Miguel Gomes. Y si algo no es definitorio de su forma de hacer cine es la convención. El realizador nos va narrando la historia en un relato lineal, mientras las imágenes alternan la actualidad de manera documental con ficción histórica. Narrada en varios idiomas, que van cambiando según cruzan fronteras los protagonistas. Una referencia de esta forma de narrar la encontramos en el propio Gomes y su 'Tabú' (2012), película que funcionaba en la negación: no era una versión del clásico de Murnau, tampoco era una revisión traída a la actualidad de esta. Entre la hipótesis y la imaginación, la película era un compendio de historias que transcurrían en distintos momentos y lugares.

Para narrar esta historia simple de desencuentro amoroso, la cinta utiliza un aparato audiovisual complejo, en el que se alterna color y blanco y negro, saltando entre épocas y géneros. Para Gomes, el tiempo es un elemento plástico al que dar forma, eliminando la distinción entre pasado y presente. La actualidad entra en la película con imágenes de los distintos países que van recorriendo los protagonistas, aunque ellos no crucen la frontera temporal, quedando los protagonistas en su época. A su estructura, Gomes añade el cambio de narrador (dos voces, dos épocas). 

En la primera mitad de la cinta seguiremos a Edward (Gonçalo Waddington), quien, a punto de encontrarse con Molly (Crista Alfaiate) en Rangún, decide comenzar una huida desde Myanmar hasta China. La propia selección de Myanmar no parece casual, al tratarse de un estado que en 1918 se denominaba Birmania. Mientras Edward avanza en su viaje, el director alterna entre imágenes granuladas de esos lugares en la actualidad y recreaciones de época. Cuando la cinta avanza de 1918 a un karaoke filipino, en el que un cliente interpreta el My Way de Sinatra, es el momento de dejarse llevar por la película y sus imágenes. En la segunda mitad, la protagonista pasa a ser Molly, en un cambio de tono, más ligero, casi cómico, que puede desconcertar. Pero es una forma de transmitirnos lo perdida que está Molly,  que primero viaja con la determinación de lograr su ansiado encuentro con Edward pero que, según su salud se va deteriorando, comienza a ser consciente de lo que le rodea y va apreciando lo poderoso de su entorno.

La fotografía de la película tiene como responsables a Gui Liang, Sayombhu Mukdeeprom y a Rui Poças. Alternan granulados, color y formato, pero la decisión nunca parece un capricho. El uso de la música tampoco es casual, alternándose piezas clásicas como los valses de los Strauss con piezas más modernas, como la citada My Way. Y, por supuesto, no siempre se corresponde la época de las imágenes con la de la música que las acompaña. 

Al final, cuando el espectador se recupera del desconcierto inicial que tal amalgama de texturas y relatos le puede suponer, nos damos cuenta que lo mejor es hacer caso al monje japonés con el que se cruza Edward: "Abandónate al mundo y verás cómo te recompensa". Abandonarse al mundo de Gomes da al espectador la recompensa de la riqueza audiovisual de una película inclasificable. 

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Festival de Cannes 2024: nombre de mujer

- 24/05/24 No hay comentarios

Sean Baker y Paolo Sorrentino han vuelto a Cannes con sus nuevas propuestas. En esta ocasión, Baker es el que logra redefinir su querencia por ciertos temas en una película fresca y tierna. Sorrentino sigue deambulando por Nápoles, pero esta vez con un resultado mucho menos certero que en propuestas anteriores.

'Anora': los desheredados de Sean Baker

Sean Baker construye sus películas sobre dos ejes. Uno, sobre el que giran sus personajes, parias de la tierra prometida. Otro, el caos. Dos conceptos que convergen en películas en las que los personajes se ven envueltos, o arrastrados, por situaciones que en tantas ocasiones escapan de su control. Las trabajadoras sexuales siempre están presente en sus historias. 'Anora' es una nueva adición a esa galería de personajes. Probablemente la más brillante de su carrera. 

Interpretada por Mikey Madison, que combina una dulzura (más maternal que infantil) con una actitud desafiante. Anora, o Ani, como le gusta que le llamen, vive en Brooklyn y trabaja en un club de baile en Manhattan. Representa una sexualidad transaccional, que Baker no embellece pero tampoco lleva a lo escabroso. Tras las escenas iniciales, en las que el director presenta a los personajes con mimo, aparece la figura de Ivan Zakharov, joven ruso con ganas de fiesta y que actúa como precursor del caos. Hay fiesta y alcohol compartidos. Hay amor, supuestamente. Hay encaprichamiento, probablemente. 

La pareja sella su relación en Las Vegas, iniciándose ahí la parte central de la película: las noticias llegan a los padres de Ivan, quienes envían a su arreglador armenio, Toros (interpretado por Karren Karagulian), para "controlar" a su hijo y solucionar una situación que es del todo inaceptable para ellos. A Toros le acompañan dos secuaces, Garnick (Vache Tovmasyan) e Igor (Yura Borisov), que junto a Ani nos proporcionan unas escenas divertidísimas y muy bien escritas. 

En un mundo de oligarcas, arregladores, secuaces y bailarinas exóticas, el personaje de Igor se destapa como un el verdadero motor emotivo. Son sus interacciones con Ani las que llevan la película a momentos verdaderamente conmovedores. El actor, a quien vimos en 'Compartimento No. 6', es el personaje más centrado, quizás porque es el que parece jugarse menos en todo el embrollo que han generado Ani y el joven heredero ruso.

Tras 'Red Rocket', Baker ha vuelto a confiar en Drew Daniel como director de fotografía, esta vez trabajando en 35 mm. Baker y Daniel aportan una luminosidad propia a cada escenario principal (el club, la mansión, el coche). El montaje por su parte vuelve a dejar de manifiesto que las escenas, tal y como las plantea Baker, tienen la función de hacer avanzar la historia pero siempre permitiendo que se tomen su tiempo, que disfrutemos de los personajes y de lo que los pequeños detalle nos dicen en cada momento.

'Anora' es una evolución en el estilo de Baker como realizador y confirma su aproximación humanista a personajes que no heredarán más que problemas. 

'Parthenope': la búsqueda de la belleza de un Sorrentino ensimismado

Sorrentino ha regresa con otra deslumbrante exhibición de belleza filmada, de juventud deconstruida y de decadencia. Volvemos a los espacios suntuosos, a los personajes que teniéndolo aparentemente todo parecen desconocer la felicidad. Esta Parthenope aspira a ser la suma de la juventud y de la gran belleza, temas recurrentes de la obra de Sorrentino. Pero algo se pierde en el planteamiento estético de la película, tan lánguido y reiterativo. 

La elegida para protagonizar la cinta ha sido la debutante Celeste Dalla Porta, cuya belleza es una fantasía hecha carne. Pero Parthenope es deseada pero no querida. La maldición de la belleza, parece querer indicar Sorrentino. Entre la lista de pretendientes y pretendidos, destacan dos personajes que nunca van más allá de lo platónico o lo amistoso. En primer lugar, el autor estadounidense John Cheever, un personaje alcoholizado y deprimido, a quien da vida Gary Oldman. El atractivo para Parthenope reside en que es el primer hombre que no quiere acostarse con ella desde el primer momento que se conocen. Para el escritor, que la observa desde el armario,  la joven es una belleza a admirar desde lejos. El otro personaje, es el profesor taciturno a quien da vida Silvio Orlando (sin duda, la mejor interpretación de la película).  En este caso, no es la belleza de Parthenope lo que conmueve al profesor, sino sus ganas de aprender. 

Menos onírica (e irónica) que otras propuestas de Sorrentino, tanto el desarrollo audiovisual, atractivo en su componentes pero algo arrastrado en su desarrollo, como la historia pecan de un ensimismamiento que hace que el inevitable corolario ("solo alejándonos de la belleza encontramos la felicidad"), resulte imprevisible y hasta insustancial. El verdadero final resulta anticlimático y caprichoso. En conjunto, todo muy Sorrentino, pero esta vez algo cansado de la belleza de su propio cine.

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Cannes 2024: 'The Shrouds' y 'Marcello Mio', ¿fórmulas agotadas?

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'Marcello Mio': un Honoré en clave de comedia donde triunfa el reparto

Si con 'The Substance' hablábamos de la presión social sobre las actrices maduras y de las dificultades para encontrar proyectos de las que están en la cincuentena, imaginémonos ser Chiara Mastroianni y tener la presión añadida de ser hija de Marcello Mastroianni y Catherine Deneuve. En esta 'Marcello Mio', Christophe Honoré imagina precisamente esto. En una película en la que no parece haber fronteras entre lo real y la ficción, nos relata como la actriz, presionada por el recuerdo de su padre, decide devolverle a la vida a través de sí misma. Se viste como él, se pone peluca para acentuar el parecido… La genética de Chiara Mastroianni ayuda mucho al entuerto que plantea Honoré, está claro. Pero que Deneuve sea la Deneuve que todos imaginamos, que Melvil Poupaud y Benjamin Biolay, ex-parejas de la actriz, aparezcan con personajes que son ex-pareja de la protagonista, etc. crea esa metaficción sobre la que desarrollar la crisis de identidad de la actriz. 

Y durante la primera parte, funciona. Ligera, sin tomarse demasiado en serio a sí misma, en lo que a escritura se refiere, aunque el subtexto es claramente dramático: Chiara no imita a su padre, se diluye para tratar de ser él. Sin embargo, la broma da para lo que da y, al agotarse el efecto sorpresa y no avanzar en la sorpresa, la película acaba siendo una reunión de gente que se conoce y, sobre todo, que conoció a Marcello Mastroianni. Las escenas rodadas en Roma rompen totalmente el ritmo de la cinta, abocada a ser un constructo simpático y poco más.

'The Shrouds': Cronenberg conquista el descanso eterno

Con 'The Shrouds' no hablamos de metacine ni tampoco de una autobiografía. Pero saber que hace cinco años que Cronenberg enviudó ayuda a poner en cierto contexto a la película, que explora la obsesión de un emprendedor por su fallecida esposa. Responsable de lo que podríamos denominar "tumbas inteligentes", que permiten la observación de los cadáveres. Todo muy moderno. Todo muy morboso. 

Vincent Cassel da vida al inventor obsesionado. Un personaje que durante la primera parte de la película tiende a una incontinencia verbal que subraya y sobreexplica sus acciones. Cassel aborda bien su personaje, pero este resulta más complejo como idea que como ejecución de la misma. Lo mismo con Guy Pearce o Diane Kruger. 

A Cronenberg le falla en esta ocasión el tono: la película no lo encuentra nunca y todo resulta extrañamente ingenuo.

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El valor de las películas deportivas en nuestra sociedad

- 23/05/24 No hay comentarios

¿Eres un apasionado del deporte y te encantan las películas? Entonces, las películas sobre deportes son definitivamente lo tuyo. Estas películas no solo nos entretienen, sino que también nos inspiran y nos enseñan valiosas lecciones sobre perseverancia, trabajo en equipo y superación personal.

Las películas deportivas han ganado popularidad en los últimos años y se han convertido en un género que atrae a un amplio público. Pero, ¿por qué necesitamos este tipo de películas? El equipo de https://copaamerica.cl/ tiene una respuesta sencilla: nos conectan con nuestras emociones más profundas y nos permiten experimentar la emoción y la pasión del deporte desde la comodidad de una butaca de cine.

El poder del cine para inspirar y emocionar

Ya sea que te guste el fútbol, el baloncesto, el béisbol o cualquier otro deporte, hay una película sobre ello. Las películas deportivas nos muestran historias de triunfo, derrota y el poder transformador del deporte.

Estas películas nos permiten experimentar la emoción de un partido importante, la tensión de una competencia y la alegría de la victoria. Nos sumergen en un mundo de adrenalina y nos hacen sentir como si estuviéramos en el campo de juego. Además, a través de la narrativa cinematográfica, estas películas nos transmiten mensajes poderosos sobre la importancia del esfuerzo, la superación de obstáculos y la importancia del trabajo en equipo.

Películas deportivas populares y su impacto cultural

Las películas deportivas han dejado una huella indeleble en la cultura popular. Algunas películas se han convertido en verdaderos íconos y han pasado a formar parte de la historia del cine. Por ejemplo, "El golpe" es un clásico del cine que ha influido en generaciones de espectadores y ha dejado una marca imborrable en la historia del cine.

Otras películas, como "Rudy" y "Remember the Titans", han inspirado a millones de personas en todo el mundo con sus historias de superación personal y trabajo en equipo. Estas películas han trascendido el ámbito deportivo y se han convertido en símbolos de lucha, perseverancia y determinación.

Beneficios de ver películas deportivas

Ver películas deportivas no solo es entretenido, sino que también tiene numerosos beneficios para los espectadores. Estas películas nos permiten escapar de la realidad y sumergirnos en un mundo de emociones y pasiones. Nos transportan a lugares y épocas diferentes y nos hacen experimentar la emoción de una competencia deportiva sin tener que levantarnos del sofá.

Además, las películas deportivas pueden ser una fuente de inspiración y motivación para los espectadores. Nos muestran historias de personas que han superado grandes obstáculos y han alcanzado el éxito a través del esfuerzo y la dedicación. Estas historias nos enseñan lecciones valiosas sobre la importancia de perseverar, creer en uno mismo y nunca rendirse.

Impacto positivo en atletas y fanáticos

Las películas deportivas no solo tienen un impacto en los espectadores, sino también en los propios atletas. Muchos deportistas han encontrado inspiración en películas sobre deportes y han utilizado esa motivación para alcanzar sus propias metas y sueños.

Además, las películas deportivas pueden ayudar a promover un estilo de vida activo y saludable entre los fanáticos. Al ver a sus héroes deportivos en la pantalla, los espectadores pueden sentirse motivados para practicar deporte y llevar una vida más saludable. Estas películas pueden ser un impulso para que las personas salgan de su zona de confort y se desafíen a sí mismas a alcanzar nuevas metas atléticas.

Películas sobre deportes y superación personal

Una de las principales razones por las que necesitamos películas deportivas es su capacidad para inspirarnos a superar nuestros propios límites y desafiar nuestras propias expectativas. Estas películas nos muestran que, con determinación y trabajo duro, podemos lograr cosas increíbles.

A través de personajes inspiradores y tramas emocionantes, las películas deportivas nos enseñan que no importa cuán difíciles sean las circunstancias, siempre hay una oportunidad para triunfar. Nos recuerdan la importancia de luchar por nuestros sueños y nos motivan a dar lo mejor de nosotros mismos en todo momento.

El papel de las películas deportivas en la educación y la formación de valores

Las películas deportivas no solo nos entretienen, sino que también pueden ser una herramienta educativa poderosa. Estas películas transmiten valores importantes como el trabajo en equipo, la perseverancia, la honestidad y la superación personal.

Además, las películas deportivas pueden ayudar a sensibilizar a las personas sobre temas sociales importantes, como la igualdad de género, la inclusión y el respeto hacia los demás. Estas películas pueden servir como punto de partida para conversaciones significativas y pueden ayudar a fomentar la empatía y la comprensión entre las personas.

Recomendaciones de películas deportivas para ver

Si estás buscando películas deportivas para ver, aquí tienes algunas recomendaciones:

• - "Rocky" (1976): Esta película clásica cuenta la historia de un boxeador que lucha por alcanzar el éxito en el ring. Es una historia inspiradora sobre la importancia de la perseverancia y el esfuerzo.
• - "Hoosiers" (1986): Esta película se basa en la historia real de un equipo de baloncesto de escuela secundaria que supera todas las expectativas y llega al campeonato estatal. Es una historia emocionante sobre el poder del trabajo en equipo y la determinación.
• - "Creed" (2015): Esta película es un spin-off de la saga "Rocky" y cuenta la historia de Adonis Creed, el hijo de Apollo Creed. Es una película emocionante que muestra la importancia de encontrar tu propio camino y luchar por tus sueños.
• - "Soul Surfer" (2011): Esta película está basada en la vida real de Bethany Hamilton, una surfista profesional que perdió un brazo en un ataque de tiburón. Es una historia inspiradora sobre la superación personal y la determinación.

Conclusiones

En resumen, las películas deportivas desempeñan un papel importante en nuestra sociedad. Nos entretienen, nos inspiran y nos enseñan valiosas lecciones sobre la vida y el deporte. Estas películas nos permiten experimentar la emoción y la pasión del deporte desde la comodidad de un cine y nos motivan a dar lo mejor de nosotros mismos en todo momento.

Así que la próxima vez que estés buscando una película que te inspire, considera una película deportiva. Te prometo que no te arrepentirás. Las películas deportivas nos recuerdan que en la vida y en el deporte, no se trata solo de ganar, se trata de darlo todo y nunca rendirse.

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Festival de Cannes 2024: sustancias varias

- 22/05/24 No hay comentarios

'The Substance': vinieron de dentro de

Al principio de 'The Substance', de la realizadora Coralie Fargeat, Elisabeth Sparkle (interpretada por Demi Moore) es despedida de su trabajo como presentadora de un programa de ejercicios diurno, similar a los que protagonizó Jane Fonda a principios de los 80. Sparkle, nos explican nada más comenzar el filme, lo ha ganado todo en la industria. ¿Qué ha pasado para ser despedida sin contemplaciones? ("Esto es televisión, no caridad", dice el desagradable productor a quien da vida Dennis Quaid). El tiempo, eso es lo que ha pasado. El personaje de Moore, ha de ser reemplazado por alguien más joven.

Y lo será. Por una versión más joven, provocadora y sensual de sí misma (Margaret Qualley). Porque eso es lo que hace "la sustancia" que da nombre a la película. Coralie Fargeat utiliza elementos de ciencia ficción, horror corporal y sátira para mostrar lo que tantas veces se ha comentado, pero no solucionado: a discriminación por edad que sufren las actrices maduras. Con un estilo visual enérgico y trepidante, apoyado por una banda sonora oscura compuesta por Raffertie, la película es tan ambiciosa en su parte inicial como escabrosamente reiterativa en su parte final.

Aunque el guion, que también es responsabilidad de Fargeat, no detalla mucho  sobre qué es "la sustancia" o quién está detrás de su generación y distribución, las reglas para su administración sí nos quedan claras: una vez administrado el activador, que genera esa versión más joven de la protagonista, clon y original se han de alternar cada siete días. Y algo en lo que se hace hincapié desde el primer momento: no son dos entidades separadas  e independientes. Ambas tienen que entender que son las dos caras de una misma moneda. Pero la adicción a la juventud y a la fama es demasiado potente. El desequilibrio que provoca no cumplir con la alternancia semanal desemboca en el espectáculo gore y sanguinario del final de la película. Un final que hará las delicias de los públicos más atrevidos, pero que puede empachar por su reiteración. 

Moore logra transmitir la desesperación de su personaje, mientras Qualley aporta la desesperación del tener que compartir, por necesidad, su vida con Moore. La realidad, finalmente, es tan tóxica con las jóvenes como con las mayores. A lo mejor, un poco menos de sangre y apuntar un poco más al meollo de qué provoca este desequilibrio era lo que necesitaba la película para no presentarse tan desequilibrada en sus dos partes. Pero la película no va por ahí, prefiriendo la provocación. 

'The Apprentice': vino de dentro de

Ali Abbasi ha presentado el "Making of a leader" definitivo. El de Donald Trump, a quien da vida Sebastian Stan. Le acompañan Jeremy Strong, como el abogado Roy Cohn y Maria Bakalova como Ivana Trump. La película juega dos bazas de forma magistral: la interpretación de Stan, alejada de la parodia y basada en detalles gestuales reconocibles; y en el uso de un formato y un color que nos retrotrae a los ochenta. 

La película incide en la figura de Trump como un arribista que supo elegir sus relaciones para irse colocando donde creía que debía estar. Un desapego total por cualquier tipo de relación sana, el Trump de Abbasi es desagradable y desagradecido. Al espectador le queda la sensación de que la realidad siempre superó y superará a la ficción. 

El final de la película es un montaje paralelo de un  funeral (no desvelaremos de quién, pero digamos que la presencia de Trump era casi obligatoria) y una liposucción que le están realizando a Trump. Sustancias que abandonan un cuerpo, sobras a eliminar. 

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Cannes 2024: 'Volveréis', encontrar el humor en lo que no hace gracia

- 21/05/24 No hay comentarios

Jonás Trueba ha presentado en la Quincena de los Realizadores la cinta 'Volveréis'. Título que suena a amenaza pero que esconde la primera hora más entretenida del cine del realizador

Durante la primera hora de la película, los personajes de Itsaso Arana y Vito Sanz repiten varias veces líneas similares en las que anuncian a su interlocutor su ruptura y su decisión de celebrar dicha ruptura con una fiesta. Normalmente añaden un "estamos bien". Si cada vez funciona con gracia es por la reacción de los interlocutores, pasmados normalmente ante la audacia de celebrar el fin de una pareja. La idea parte del padre del personaje de Itsaso Arana, a quien da vida Fernando Trueba (padre de Jonás). En los créditos sabemos que la idea de "hay que celebrar las rupturas, no las uniones" es del propio Fernando. 

Durante esa hora, la película avanza entre anuncio y anuncio, ligera y con frescura. Mientras estos encuentros se suceden, Trueba añade una capa de metacine. La protagonista, Alejandra, es a su vez realizadora y está en la fase de montaje de una película protagonizada por quien es ya de facto su ex-pareja. Las escenas que vemos como espectador las ven ellos como responsables de la cinta, dejando también otra escena brillante cuando Alejandra realiza un pase con colaboradores y amigos íntimos. La extrañeza de cómo viven los demás esa celebración del desenlace como pareja queda patente. Con referencias a las comedias clásicas y a títulos como '10, la mujer perfecta', sobre la que discuten la (ex)pareja en una escena que se va caldeando hasta que, sin decirlo, ya no están discutiendo sobre una película. 

En la escena de la proyección privada, un amigo comenta que la película le parece repetitiva, un circunloquio permanente sobre los anuncios de separación y de fiesta. Quizás en ese momento la película, a través del trabajo de Alejandra, comienza a ser demasiado autoconsciente y pierde un tanto de frescura y de lo que tan bien funcionaba hasta ese momento. La aparición del personaje de Fernando Trueba ayuda a introducir un punto de humor socarrón que funciona muy bien (Nota: Jonás intenta que sus personajes tomen ese tono, pero es Fernando quien lo declama resultando gracioso a su pesar). Durante la última media hora, la película da la razón al crítico amigo y se torna repetitiva, volviendo una y otra vez a la organización de la fiesta. Volveréis, les dicen sus amigos. Ellos insisten en que no. Sin decirlo abiertamente, nos dejan a los espectadores pistas de que, efectivamente, la experiencia como pareja está agotada. 

El filósofo Stanley Cavell, quien analizaba las comedias de enredo clásicas de Hollywood para hablar del concepto de "comedias de re-matrimonio", es mencionado varias veces. La mención a 'La búsqueda de la felicidad' deja claro que el no poner fin a la relación puede ser lo que impida esa felicidad. Ser conscientes de ello nos rompe un poco el corazón, igual que les sucede a los protagonistas.

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Cannes 2024: 'Emilia Perez', la historia más increíble jamás contada

- 20/05/24 No hay comentarios

'Emilia Perez' va a dar mucho que hablar en este Festival de Cannes. Jacques Audiard ha presentado su particular "más difícil todavía": un musical atrevido con un relato tan increíble que lo mejor es saber poco de él antes de su visionado. Más allá de que ya hay quien ve a Audiard con su segunda Palma de Oro, lo cierto es que la película es osada, loca, artísticamente lograda, etc. Todo ello siendo un musical que no acaba de funcionar como tal. Pero vayamos por partes.

'Emilia Perez' quizás sea la película más irregular que ha realizado Audiard. El responsable de 'Un profeta', ganador de la Palma de Oro en 2015 con 'Dheepan', construye esta cinta sobre premisas indescriptibles desde el punto de vista individual, formalmente fresca y sin ataduras estilísticas pero, en su conjunto, la película funciona como un artificio que aprovecha sus propios defectos para construir una historia potente y bien contada. Como musical, las canciones no son memorables y no contribuyen a que el relato avance. Como drama sobre el momento actual de la sociedad mexicana, se comenta todo pero queda algo superficial. Como drama protagonizado por un personaje transexual, resulta demasiado ligero. 

Los peros son la clave: la pasión de Zoe Saldaña y, en menor medida, Selena Gomez. Y la presencia de Karla Sofía Gascón, aportando a su personaje un punto malicioso que funciona muy bien. Ellas son quienes soportan el peso argumental de la película. El libreto, del que Audiard es corresponsable, peca en algunos momentos de autoindulgente. Sin embargo, el tono es siempre apropiado. 

En la banda sonora, que corre a cargo de Camille y de Clément Ducol, es donde encontramos la mayor pega de la película. Tiene algún número que aporta humor a la película, pero innecesario. Quizás el más memorable sea el dúo que Gascón interpreta con Mark Ivanir, de una belleza armónica que se echa en falta en otros tramos de la película. Tiene mérito, eso sí, que un tema que menciona la vaginoplastia esté incluido en esta Sección Oficial. 

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Festival de Cannes 2024: menos es más, más es más

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Si queríamos contrastes, aquí los tenemos. Yorgos Lanthimos, con su tríptico anfetaminado, y Jia Zhang-ke con un repaso intimista a la historia reciente de China. 

'Kinds of Kindness': un tríptico para controlarlos a todos

Con un reciente León de Oro de Venecia ('Pobres criaturas', 2023), Lanthimos ha llegado a la Croisette para hacerse con la Palma de Oro. Lo ha hecho con un tríptico sobre el control, la sumisión, la identidad… pasado por todos los filtros de cine de Lanthimos: sadismo, crueldad, erotomanía, situaciones inverosímiles y personajes más inverosímiles todavía. Lanthimos es una máquina de asumir riesgos. En ocasiones, le sale bien. Y en otras, como en esta 'Kinds of Kindness', no le sale mal… pero le sale algo alborotada. 

Los tres episodios que forman la película están protagonizados por los mismo actores en papeles distintos, y una constante: RMF.  Los capítulos se titulan 'The Death of RMF' (La muerte de RMF), 'RMF is Flying' (RMF está volando) y 'RMF Eats a Sandwich' (RMF come un sándwich). ¿Qué quién es RMF os preguntáis? Pues no lo sabemos. O sí, es el macguffin del año, el momento WTF (Gracias, Moretti) más grande de esta edición. Tras la presentación de este personaje, un tipo normal con barba que rápidamente se convierte de una forma u otra en reclamo para el resto, 'Kinds of Kindness' deja claro que no existe control absoluto sin sumisión voluntaria. En cada episodio los roles de los actores se van intercambiando o pueden ser ambivalentes, ejerciendo el control de formas muy diferentes. Interesante catálogo de personajes entre los que destaca Jesse Plemons. Emma Stone sigue brillando en las obras de Lanthimos, pero quizás en esta ocasión paga un poco el no tener un personaje que desarrollar de principio a fin. En todo caso, es muy difícil ponerle alguna pega a su interpretación. 

En todo este juego de control/sumisión, vida/muerte, Lanthimos no está tan interesado en los mecanismos y causas que llevan a cada personaje a su suerte final, como en lo abominable del conjunto. Para ello cuenta con la ayuda del compositor Jerskin Fendrix, y su banda sonora de piano por momento atonal;  el otro responsable de la atmósfera enfermiza de la película es el director de fotografía Robbie Ryan, de quien hemos visto otro trabajo en este festival ('Bird'). Con Lanthimos utiliza primeros planos extremos y un exceso de luz que empuja a lo incómodo directamente a lo tétrico.

El cine de Lanthimos no parece hecho para gustar, sino para molestar o sorprender. Es un cine en el que la reacción del espectador forma parte de la parte contratante. En esta ocasión, no podemos evitar sentir que lo que en ocasiones puede resultar provocador aquí nos parezca gratuito. A lo mejor siempre lo fue y simplemente seguimos siendo parte del circo Lanthimos.

'Feng Liu Yi Dai (Caught by the Tides)': el reciclaje de Jia Zhang-ke para comprender la China actual

Esta 'Caught by the Tides' es una fábula sobre la desubicación y el desamor. Una historia de amor que recorre China desde inicios de los 2000 hasta la pandemia por la Covid-19. En esta ocasión Zhao Tao (actriz habitual de Zhang-ke, además de su esposa) da vida a Qiao Qiao, que emprende la búsqueda de Guao Bin (Li Zhubin), a quien le une una relación tan apasionada como frágil. Pero realmente, esa historia de amor tormentosa es un hilo de Ariadna, para seguir a los personajes por la geografía china, al tiempo que revisamos acontecimientos importantes para el país. 

En un tono casi de documental, con muy pocos diálogos, esta 'Caught by the Tides' hace de Zhang-ke, una vez más el cronista más importante de la China moderna. Al ser una película rodada durante 23 años, al tiempo que desarrollaba su exitosa carrera, esa crónica se construye enhebrando imágenes rodadas en la génesis de 'Unknown Pleasures' (2002), 'Naturaleza muerta' (2006) y 'La ceniza es el blanco más puro' (2018). Un montaje fluido de mano de los habituales Yang Chao, Lin Xudong y Matthieu Laclau, al que completa la habitual selección de canciones del realizador, con su propia intrahistoria. En ningún caso debe interpretarse esto como una reutilización indolente de material existente. Y, aunque las ganas de perseguir cada secuencia hasta la película original existen, 'Caught by the Tides' merece el reconocimiento como obra independiente. 

Película exigente con el espectador, quién a través de la mirada de Tao observa los cambios y la apertura en lo económico y el conservadurismo en lo social. Culmina la cinta con una parte final, ahora sí original, que destila elegancia y, posiblemente, sea el cierre de una etapa en la filmografía de Jia Zhang-ke.